Patrick Horvath es un productor, director y guionista de cine que se ha especializado en el género de terror. En 2024 dio el salto como autor completo de cómic con esta serie, Bajo los árboles, donde nadie te ve, que mereció una nominación al Eisner a la mejor serie nueva. La historia nos lleva a un idílico pueblo, habitado por unos adorables animales antropomórficos, donde conocemos a Sam, una afable osa que trabaja en una droguería. Pero toda esa fachada a lo El viento en los sauces se derrumba tras las primeras páginas, cuando Sam nos cuenta que es una asesina en serie... Muy cuidadosa y cívica, pero implacable. Horvath apela aquí a la disonancia entre una estética infantil y bonita (simpáticos animalitos, colores vívidos) y la narración de hechos explícitos y terribles. Lo que se ha dado en llamar creepy-cute, fenómeno nada nuevo (¿os acordáis de los Happy Tree Friends?), pero pasado de rosca, como en Stray Dogs (el autor de la cual, Tony Fellecs, encontramos elogiando esta obra).
Leyendo el cómic, uno tiene la impresión de que parece una versión animalizada de Dexter, sólo que en esta serie de tv (y libros), el protagonista-asesino intentaba dar una validación moral a la elección de sus víctimas, al estilo del Morbius marvelita. Aquí no la hay: el único problema de Sam es que alguien se mete en su parque de juegos y eso puede perjudicarla. Ignoro si el autor pensaba que estaba haciendo algo sumamente original, puesto que no es el caso, y, por lo demás, el cómic se lee por su capacidad de intentar epatar al lector y de darle una historia con la casquería justa para estas historias, que devanea entre el thriller y el gore. Me vais a perdonar, pero yo no puedo entrar en estas historias amorales. No es porque triunfe el mal: hay muchas historias de terror donde no hay un final feliz y está bien. Es más ese regodearse en el caos y la amoralidad pura, simple, gratuita, lo que me produce rechazo. Siempre me recuerdan a una historia breve que estaba incluida en el primer Batman: Blanco y Negro, creo que era de Brian Bolland, en la que un tipo anónimo nos cuenta cómo tiene todo preparado para pegarle un tiro a Batman cuando éste se despiste y cómo luego seguirá con su vida como si tal cosa. Hay que reconocerle el talento, eso sí, a Horvath, para ser tan multidisciplinar, porque como ilustrador y narrador lo hace bien. A mí, no obstante, no me ha conseguido como lector.
La guerra de Bosnia fue una guerra que, como otras de la época -la primera del Golfo Pérsico,- era algo que, para los jóvenes del momento, sucedía muy lejos y de lo que hablaba el telediario, y poco más. Pero cada guerra es terrible, y, como cita el cómic, “todas las guerras se libran dos veces, la primera en el campo de batalla, la segunda en el recuerdo”. Y esto es lo que construyen Sento y Elena Uriel enDías sin escuela: rememorar una guerra “de baja intensidad” (para nosotros, en absoluto de verdad así) en los recuerdos de quienes eran entonces un niño de seis años y una niña de cuatro, que vivieron el infierno de la guerra en los Balcanes y fueron acogidos por los autores, coprotagonista de la historia, en España. Tras la excelente Dr. Uriel, Sento vuelve a la temática bélica con esta historia en la que el presente convive con los recuerdos de aquellos días en los que, inocentemente, los niños disfrutaban porque no había colegio. Es curioso cómo, a ojos de los niños, lo que ocurría podía ser muy diferente de lo que veían los adultos, y aquellos niños que ahora son adultos rememoran los pequeños detalles. Efectivamente, la clave del cómic está en el tamiz de la memoria sobre
los hechos, un factor de resiliencia que ayuda a superar hechos como los
de aquella guerra, que por lo demás, también tuvo matanzas étnicas y
barbarie para los civiles. Los autores separan las dos líneas temporales con el uso del color, y es delicioso volver a disfrutar de la línea clara de Sento (¡y aún más cuando rompe la figuración para expresar lo terrible de la guerra!). Muy buen cómic para la memoria este Días sin escuela.
La serie de Paul de Michel Rabagliati me enamoró desde que, hace muchos años, mi librero de confianza, Jaume de Gotham Comics, me prestóPaul va a trabajar este verano (Fulgencio Pimentel, 2006). Con los años, a pesar de no leerlos en el orden en el que aparecieron, he ido completando los huecos de esta saga con creciente deleite. Después de Paul en los scouts(2014) yPaul en el norte (2016), ahora Astiberri edita Paul en casa.
En esta nueva entrega encontramos a un Paul más cercano al presente -y consecuentemente al Rabagliati original-, ya en la cincuentena, ubicado inmediatamente en el momento de la promoción del album Paul en los scouts. Paul está divorciado, a su madre le diagnostican una enfermedad terminal... y en ésas está. Sin perder un ápice de la habilidad narrativa que le caracteriza (la exquisita planificación de página, el metafórico árbol que abre cada capítulo de la historia), Rabagliati hace un giro en esta obra que me hace pensar en Peter Bagge. Su dibujo, siempre con ese estilo deudor de los cartoon de los años 50, algo emparentado con el de Seth, parece que se ha afilado (¿desquiciado?) con el tiempo, o quizá para este álbum, y el tratamiento de uno mismo, aunque no es tan despiadado como en el caso las obras del autor de Odio, se hace tragicómico en las miserias y las pequeñas alegrías de la vida.
La soledad, el sentido de la vida, la certeza de la finitud, el anquilosamiento de nuestro cerebro según nos vamos haciendo viejos... son algunos de los temas que Rabagliati inevitablemente toca en esta entrega. Porque, en esta ocasión, o al menos ésta es mi impresión respecto a las entregas anteriores, aquí la introspección parece cobrar importancia frente al mero desfile de recuerdos que habían sido los cómics anteriores (al fin y al cabo, éste es el cómic más cercano al presente que ha publicado, es lógico que tenga un carácter más intimista).
En definitiva, si las anteriores historias de Paul consistían en una evocación, más o menos ficcionalizada, de un recuerdo, aquí, pienso, el tema del retrato psicológico toma mayor relevancia y pone sobre la mesa una serie de cuestiones existenciales, no exentas de humor (y cierta esperanza). Cabe decir que, además, la cercanía personal de los hechos que cuenta Rabagliati con mi propia experiencia hacen que valore todavía más este Paul en casa. Si me preguntáis, en este momento de la vida diría que éste es mi volumen preferido de todos lo que han aparecido hasta ahora.
Sigo recuperando cómics que durante el invierno no he podido leer. Le ha tocado el turno a Por si desaparezco, de Mirion Malle. Admito también que el tema hizo que dejase para más adelante su lectura. Porque, efectivamente: Mirion Malle escribe aquí un cómic duro, de desahogo. Clara es un alter ego para hablar de temas muy complicados, como la depresión, y todo lo que conlleva en una persona. La protagonista es una joven que tiene un trabajo editorial en el que se siente presionado, está escribiendo un poemario en el que está bloqueada... Y es que algo más va mal en Clara. Las amistades no la satisfacen, es más, terminan siendo una obligación a evitar, y es como sin dentro de la cabeza "tuviera una nube negra" que a veces le hace pensar que, después de todo, dejar de existir no estaría tan mal.
A medida que avance la historia sabremos un poco de dónde viene esa profunda desazón que le impide sentirse viva, pero creo que el origen, aún siendo importante, no lo es tanto como mostrar esa oscura sima en la que alguien con una depresión está. La depresión es una enfermedad que muchas veces se confunde con la apatía o la infelicidad transitoria, y las soluciones fáciles siempre están ahí: "sal a respirar al bosque", "queda con tus amigas", "ponte contenta, ¿por qué no estás contenta si lo tienes todo?", etc. Aquí, Mirion Malle, con un trazo sencillo, muy contemporáneo, pone sobre la mesa todos estos temas, de una manera muy verosímil. No hay soluciones fáciles, y de la misma manera, el cómic no tiene una resolución fácil tampoco -pese a que da visos de esperanza. Creo que toda persona que haya pasado por una depresión reconocerá enseguida el malestar de Clara: el ser incapaz de sentir nada, el querer estar con alguien y solo al mismo tiempo, y, en general, la completa incapacidad de tener pensamientos claros o poder enfocar la mente en algo constructivo. Por si desaparezco es un cómic duro, espero que exorcizante para la autora, pero necesario de compartir para normalizar este mal que tan extendido está en nuestra sociedad, si quiera para tener un poco más de empatía con quienes lo padecen.
Raina Telgemeier es quizá una de las autoras más conocidos y exitosas del cómic como literatura juvenil. Obras como ¡Sonríe!, Hermanas, Coraje o Drama no solo han demostrado que sabe muy bien contar historias conectando con sus experiencias biográficas, sino que ha sabido conectar con un público joven que ahora puede disfrutar de un gran expositor de novelas gráficas para jóvenes adultos que Raina ha contribuido a disponer para el público.
¿Y qué ocurre si una autora de éxito reconocido se alía con uno de los divulgadores y más talentosos artistas de cómic? Que juntos firman El club de los dibujantes, una deliciosa novela gráfica que, además, sirve para adentrarnos en las particularidades de este tan amado por nosotros noveno arte.
El club de los dibujanteses, como reconocen los propios autores en las páginas finales, una versión de la obra maestra de Scott McCloud Entender el cómic, pero especialmente pensado para lectores jóvenes. En esa obra, McCloud disecciona los elementos del lenguaje del cómic para que tanto lectores como autores podamos hacer uso de ellos y comprenderlos mejor. Porque lo mejor del cómic es que no es literatura, ni tampoco es simplemente ilustración. El cómic es la mejor prueba de que a veces el todo es más que la suma de sus partes. De la unión de estos dos medios (palabra e imagen) nace uno nuevo, con su propia gramática y sus propias convenciones. McCloud nos mostraba en su obra esos entresijos. Aquí, en El club de los dibujantes, insertados en una historia amable de un grupo de chicos y chicas entusiastas del cómic, se encuentran esos mismos entresijos, contados de una forma sencilla, y me atrevería a decir que subrepticia. Porque apenas te dan cuenta de que Telgemeier y McCloud te están dando un tutorial, una serie de consejos para crear tus propios cómics, y eso incluye planificación de páginas, tipos de planos, materiales, ¡incluso la manera de doblar las hojas de un folio para conseguir tu propio primer minicómic! Todo, sin perder la sensibilidad de Telgemeier por las historias conmovedoras y la inclusión.
¿Cómo se han distribuido el trabajo estos dos autores? Raina se encarga del dibujo de la mayor parte de la obra, en su estilo habitual, y Scott de los ejemplos de cómics que aparecen. En cuanto al guion, no se explicita quién ha hecho qué, así que me figuro que está hecho un poco al alimón. La mayor virtud del cómic, insisto, es que de una forma muy amena y casi sin darse uno cuenta, los rudimentos de cómo hacer un cómic son explicados.
La sección final "Entre bastidores" resulta también muy interesante: con algunas preguntas a los autores, glosario, lista de recursos, proceso de cómo se hizo el cómic... Páginas de apoyo para quien quiera consultar algunos detalles más técnicos.
Concluyendo: El club de los dibujantes me parece un cómic estupendo para dárselo si tenéis a alguien joven que sienta el mínimo interés por dibujar o crear cómics. Incluso yo mismo, que ya peino canas, no he podido dejar de sentirme entusiasmado cuando lo he leído, y me han dado ganas de volver a crear cómics como, snif snif, hacía hace años. Recomendadísimo.
Siguiendo mis lecturas "libres" de este verano, después de darme el gusto con los Spiderman 2099 reseñados anteriormente, me he puesto con los Marvel Gold de Lobezno. Recientemente compré el 2, pero para ponerme a tono preferí releer el primer volumen antes de empezar con el segundo, así que aquí van cuatro pensamientos al hilo de ese tomo.
Lobezno
es uno de los héroes salidos de la factoría Marvel que más predicamento
ha tenido en las últimas décadas. Su aparición en las páginas de Hulk
en los años 70 pasó algo desapercibida, pero su adhesión a la
Patrulla-X, en su relanzamiento con los guiones del mítico Chris
Claremont, hicieron de él uno de los mutantes más carismáticos de la
editorial. Era cuestión de tiempo que consiguiera una serie para él
solo, y lo hizo a finales de los años 80, cuando aparece Wolverine, la primera serie regular dedicada exclusivamente a las aventuras del superhéroe canadiense.
La
serie dio inicio con un equipo de autores de auténtico lujo: a los
guiones se encontraba Chris Claremont, un antiguo conocido del
personaje, y el autor que había llevado a los mutantes a ser el éxito
más sonado de la editorial. En la parte gráfico, unía sus esfuerzos a
Claremont el reputado John Buscema, el dibujante que marcó el estilo
visual de Conan durante décadas. A su lado, el
entintador Klaus Janson, artista que ha compartido los lápices con
autores como Frank Miller o John Romita Jr, y cuyas tintas siempre
tienen un carácter muy personal, que complementa al del dibujante.
Al buscar un nuevo enfoque que diferenciase las aventuras de Lobezno de las de su colección madre, La Patrulla-X, Claremont aprovechó la aparente muerte del grupo de mutantes para darle otro aire a su creación. Los inicios de Lobezno
como colección regular tienen una orientación más centrada en la
aventura y la intriga. Con un Logan sin el lastre de su grupo de
hombres-X, es libre de establecerse en la ficticia ciudad de Madripur,
un lugar que, en un rincón desconocido del sureste asiático, constituye
una suerte de megalópolis en la que las diferencias sociales son
extremas: conviven las chabolas más miserables con los rascacielos más
espléndidos. En este ambiente, Claremont teje una historia donde Logan
asume una nueva identidad -Parche- y le esto le permite escribir otro
tipo de historias, donde los hampones, los clanes de mafias y la
corrupción son los enemigos que han sustituido a los supervillanos
enfundados en leotardos. De esta forma transcurren los primeros números
de la colección, sin que tan siquiera veamos habitualmente al héroe en
su ya clásico uniforme de la Patrulla-X. La portada del tomo, que
reproduce la del número uno de la serie, ya nos pone sobre aviso. En
esta colección, Logan buscará su auténtica identidad, sin las ataduras
que suponía su supergrupo. Su historia es todavía aquí un misterio para
el lector: no sabemos qué edad tiene a ciencia cierta ni de dónde le
provienen sus extraordinarios poderes, que le hacen virtualmente
invulnerable. A lo largo de la colección, Lobezno deberá lidiar con su
lado animal, el que le hace reaccionar de forma violenta y salvaje como
el animal que le da nombre (en el original inglés, wolverine hace
referencia a un pequeño mamífero llamado carcayú), pero también tendrá
ocasión de demostrar su valía como aventurero -al más puro estilo
Indiana Jones- o investigador.
Lobezno: Noches de Madripures
el tomo que Panini editó en febrero de 2023 en su línea Marvel Gold y
que recopila los primeros 16 números de su serie regular, así como la
miniserie en diez números que se publicó por primera vez bajo el
epígrafe Marvel Comics Presents. Se trata de unas historias que han
envejecido muy bien porque, al fin y al cabo, fueron creadas buscando el
cómic de aventuras clásico. Su factura tanto en guion como en dibujo y
entintando son admirables, y nos dan una visión poco acostumbrada del
Lobezno guaperas y héroe de acción que el cine nos ha dejado en los
últimos años.
Lobezno empezó siendo una serie que tenía la intención de ver a un Logan
diferente del que habíamos visto hasta el momento. Se trataba de
alejarlo de las misiones con otros mutantes, aprovechando que el mundo
pensaba que los X-Men habían muerto (en la saga “La caída de los mutantes”)
y descubrir una faceta más personal del personaje. Situándolo en
Madripur (lo que siempre he considerado un nombre que mezclaba Madrid y
Singapur), veíamos a otro Logan: uno que se manejaba en los bajos
fondos, en asuntos turbios, que bebía y peleaba, y que ocultaba su
verdadera personalidad tras el nombre de Parche. Ni siquiera llegábamos a
ver a Lobezno en uniforme de la Patrulla-X hasta el número 14 de la
colección.
Entre
los números 11 al 16, Claremont se tomó un descanso y su sustituto, un
Peter David que aún no había alcanzado la gran fama de su etapa en Hulk, llegó para contar El caso de la piedra Gehenna (The Gehenna Stone Afair), una historia en seis partes que contaría, además, con los las portadas de Kevin Nowlan (Tomorrow Stories), lápices de John Buscema y la tinta de Bill Sienkiewicz (Voodoo Child, Elektra Assassin, Straytoasters, etc). Un equipazo de lujo sin duda.
En El caso de la piedra Gehenna,
David plantea una historia de género para Lobezno, con todas sus
características. Para ello, ya tiene a Logan situado en una ciudad en la
que la distinción entre riqueza y pobreza es alarmante, un Logan
familiarizado con los bajos fondos y habituado a echar un cable a la
policía cuando el asunto le interesa. Así que plantea la historia: un
amigo pide ayuda a Logan porque una tía suya amenaza con reclamar la
fortuna heredada por su hermana alegando que éste está fuera de sus
cabales. Resulta que éste posee parte de una joya que, unida en todos
sus dispersos fragmentos, puede devolver sus poderes al hombre-demonio
Ba’al. Así que Logan se verá inmerso, junto a sus amigos Archie Corrigan
o Jessica Drew (ex Spiderwoman),
en una historia que empieza como una novela negra y termina como una
épica aventura a lo Indiana Jones (con diversos homenajes explícitos) de
implicaciones míticas para el personaje. David se muestra ágil en los
guiones, con unos diálogos ingeniosos y cortantes y una acción in crescendo.
Buscema está, como siempre, arrollador, y Sienkiewicz no hace más que
aumentar la calidad del dibujo de Buscema, afilando los rasgos,
proporcionándoles aún más fuerza indómita. Se trata de una saga poco
recordada en general, algo extraña para lo que es un personaje que en
principio no tiene nada que ver con las temáticas a las que Peter David
le lleva, pero que se revela como una saga, lejos de ser puro relleno,
ingeniosa y hasta importante para el continuo del personaje.
Concluyendo:
estamos de suerte con la reedición de este material clásico tan
interesante y necesario para entender la evolución de uno de los
personajes más carismáticos del universo mutante hoy en día. Una etapa
que brilla con luz propia gracias al buen hacer de su elenco creativo y
un volumen para atesorar. Próximamente, reseña del tomo 2: Vuelta a lo básico.
En este segundo tomo de Spiderman 2099 nos encontramos, para empezar, con el primer crossover que las series de la línea 2099: La caída del martillo. Se trata de cinco números, distribuidos entre las colección de Spiderman 2099, Ravage 2099, X-Men 2099, Punisher 2099 y Doom 2099. En este crossover aparecen en la Nueva York del futuro unos individuos superpoderosos que dicen ser los dioses nórdicos: Thor, Baldur, Heimdall... Y que parece que son la respuesta a las oraciones de muchos de los ciudadanos de la Infraciudad, que ha desarrollado el culto de los thoritas... Sin embargo, la oculta relación que tienen con la corporación Alchemax hará que los "héroes" tengan que unirse para desvelar sus secretos.
Me puedo imaginar el poco interés que David debía de tener en tener que acoger en su serie este cruce que, bueno, es interesante para ver a los personajes interactuar entre ellos, pero, más allá de los tintes épicos de su título y trama (¡recuerdo los anuncios del crossover en la publicidad interna de otros cómics Marvel de aquella época!), tampoco aporta gran cosa. Al contrario: Peter David empieza a brillar de verdad tras el crossover, a partir más o menos del número 18 de la serie. Llevamos ya año y medio de colección y es aquí donde el guionista de la mejor etapa de Hulk va a poner toda la carne en el asador con sus brillantes diálogos, atrevidas composiciones verticales de página, flashbacks (en los siguientes números dedicará una parte importante de las páginas a una historia paralela del joven Miguel O'Hara) y giros de guion que desembocará en un clímax glorioso al final del número 25, que en USA era double-size.
Muy bien construido por Peter David, intentando -como ya comenté en la reseña del anterior volumen- ir totalmente en la dirección opuesta de las decisiones tomadas con Peter Parker, este Spiderman es otra cosa. No te hace pensar que estás ante un remedo futurista del Trepamuros clásico. La ciudad de Nueva York y el mundo de 2099 han sido muy pensados como ambientación -los artículos de fondo del tomo explican que los guionistas involucrados estuvieron en una especie de encierro de fin des semana para escribir la "biblia" de ese mundo-, y el tono cyberpunk, pesimista, ultratecnológico y con una pequeña reivindicación ecologista (como dejaba entrever con antelación Cels Piñol en los correos de la época -esto lo he visto en la lectura de las grapas Fórum de Muerte 2099) está muy conseguido; pero al mismo tiempo, sin ser la misma, la responsabilidad y problemática familiar de Miguel O'Hara es también un ángulo que Peter David sabrá explotar muy bien.
En lo gráfico, Rick Leonardi a los lápices y Al Williamson a las tintas siguen marcando el estilo gráfico del cómic de manera maravillosa, y haciendo que los eches de menos en los pocos números en que no aparece, sustituidos por el para mí pasable Ron Lim, o el ya muchísimo mejor Tom Grindberg.
En resumen: si este segundo tomo lo compré un poco por inercia y completismo, ya que ya había empezado la colección, al tercero voy de cabeza porque me da la impresión de que la serie va ganando enteros a medida que avanza, y aunque posiblemente terminara siendo cancelada a pesar del gran trabajo de sus autores (esto último no lo sé, pero puedo suponerlo, al fin y al cabo, la línea 2099 tuvo una vida relativamente corta; lo comprobaremos en ese tercer volumen), estoy seguro de que el viaje habrá valido la pena.
Empezamos con un tomo muy interesante, porque se recopila la etapa de J.H. Williams III (¡ya sabéis, el artífice gráfico de Promethea de Alan Moore!) en Batwoman en un solo tomo. Este señor es un coloso de la ilustración, y sólo por sus atrevidas disposiciones de página, su amor por el art nouveau y su intrincado dibujo de referencias pictóricas esto vale la pena atesorarlo. Más cuando las ediciones anteriores fueron erráticas (ahora tomo gordo, ahora colección de prestigios...) por parte de ECC.
Aparte de algunas nuevas enésimas ediciones de material clásico, y que si no habéis leído estáis tardando (la de La cosa del pantano parece por el volumen y precio que estará a la altura de la edición en 3 tomos que hizo Planeta/ECC, mientras que la de Hellblazer es una edición a tapa blanda de 5 en 5 números), me interesan este Marvel Gold: La Imposible Patrulla-X, en la que empieza a publicarse la cabecera X-Men, la colección que estrenaron Claremont y Jim Lee y que fue un hito en su momento, en los 90.
Otra re-reedición interesante es la recuperación en El Vigía de un superhéroe de tercera línea y cómo Paul Jenkins y el gran Jae Lee (en esta casa somos muy fans de él) lo devolvieron a la continuidad Marvel. Y finalmente, otra novedad curiosona es esteLos señores de los dragones, incursión fantástica de los cómics del Pato Donald con el experimentado guionista Byron Erickson y el no menos mítico dibujante Giorgio Cavazzano.
Tenéis el catálogo completo de novedades del mes de Panini en este enlace.
Music Queens está estructurado como una playlist. Se trata de una historia de la mujer en la música pop a través de diez canciones: diez artistas, diez formas de ver la música, diez voces que se plantaron ante una industria de hombres, donde la mujer era apenas una cara bonita que atraía a los fans. Aquí, de Nina Simone a Beyoncé, de Janis Joplin a Queen Latifah, pasando por figuras menos conocidas por el gran público como Anne Sylvestre, tenemos un variopinto fresco de las mujeres que cambiaron la música del siglo XX y XXI, no sólo dando voz sino también presencia femenina, y por tanto espacio para otros temas, otras sensibilidades, ampliando el punto de mira a los márgenes. La selección, aunque evidentemente constreñida por la longitud que podría haber tenido (a mí personalmente me faltan otras grandes, como Billie Holiday, Tina Turner, Siouxsie Sioux -incluso una división, imposible por el origen del cómic, española: Ana Curra, Alaska… pero es sólo una cuestión personal), es muy acertada y cubre muchos espectros musicales.
Didáctico, sencillo, con un dibujo muy sintético obra de Leslie Plée, esta obra conecta con otras de temática reinvindicativa semejante, como el Valerosas de Pénélope Bagieu (no es casualidad que una de las guionistas de Music Queens haya trabajado en la animación este cómic) o el reciente, también editado aquí por Garbuix, Libres para pensar: diez mujeres, diez vidas filosóficas. En definitiva un buen cómic para conocer y reconocer, y para dar a leer a jóvenes lectoras y lectores para que construyan su gusto musical en igualdad.
El tándem Emilio Ruiz y Ana Miralles, que llevan ya un buen número de colaboraciones juntos (De mano en mano, Muraqqa o la serie juvenil Wáluk) nos ofrecen en esta novela gráficaAva un episodio de la vida de la diva de Hollywood, Ava Gardner, en concreto una visita que realizó a Brasil con motivo de la promoción de la película La condesa descalza, en 1954. Lo que se prometía un viaje de ensueño a Copacabana se convierte en casi una pesadilla por la manera en que todo el mundo pretende utilizar la fama de la actriz en su provecho, con un Frank Sinatra que la llama para replantearse su relación o un Howard Hughes que la sigue y persigue allá donde va. Ruiz concentra en este pequeña anécdota para enfocar la obra a trazar el retrato del carácter de la Gardner, y no tanto su leyenda o su sensualidad: de esta manera conocemos a una mujer de carácter fuerte, destinada siempre a luchar contra un medio -el cine, el establishment americano- que veía en ella una muñeca de Hollywood. Por su lado, Ana Miralles hace un trabajo espectacular al dibujo, recreando la época y retratando a la actriz de forma soberbia. Quizá algo menos de lo que esperaba -el episodio brasileño da poco juego para pintar el retablo que, imagino, Ruiz tenía en la cabeza-, pero aún así, espléndido en el arte este tebeo. Por cierto: la novela gráfica Ava ganó el Premio Todostuslibros 2025 al Mejor Cómic Nacional.
Cualquier balear que tenga más de 30 recordará con cariño un cómic titulado Història de les Illes Balears que tuvo una difusión masiva gracias a la edición por parte de la que en ese momento era la caja de ahorros que tenía más implantación en las Islas. Fue un cómic histórico en todos los sentidos, porque además de ser didáctico y entretenido, era muy divertido, y muchos gags permanecieron en el humor de muchas familias (bueno, puedo hablar por mi contexto). Història de les Illes Balears era un recorrido por la historia de estas islas desde la Prehistoria hasta el momento en que publicó (los 80), en el que un niño y una niña conocían a un viejo olivo -Madò Olivera- que ejercía de maestro de ceremonias y les explicaba de forma amena todo su pasado.
¿A qué todo este párrafo? Pues porque, tantos años después, És una bruixa? (lo he leído en catalán, pero también está editado en castellano: ¿Es una bruja? Mitos, mentiras y realidad), de Raquel Gu, me ha recordado esa amena lectura que hice. En su cómic, una abuela, a propósito del encuentro de sus nietos con una vecina mayor y algo antipática, cuenta los orígenes, causas y desarrollo del concepto de bruja, tan antiguo como la humanidad y firmemente relacionado con una cosmovisión patriarcal. La autora hace un magnífico y ameno ejercicio de síntesis, desde los primeros sabios y curanderos en el albor de las civilizaciones, pasando por Grecia y Roma, la Edad Media, la época de la Inquisición, la caza de brujas en Europa y América en los siglos XVI y XVII, hasta el cambio de paradigma de esa idea, con su reapropiación por parte del feminismo.
Y lo hace, como digo, de una forma muy amena, porque los personajes de la abuela (la sabiduría) y los nietos (la transmisión del conocimiento) permiten relacionar una historia de la misoginia como es la de las brujas con conceptos más modernos que los lectores jóvenes entenderán, como el bullying o las fake news, porque de eso se trata en el fondo: de cómo un statu quo de poder impuso su relato a unas mujeres que frecuentemente vivían en los márgenes de la sociedad.
El cómic está muy bien documentado (tiene dos páginas enteras de la bibliografía en la que se apoya): por ejemplo, a poco que uno sepa, sabe que la Inquisición española no persiguió el fenómeno de las brujerías como pasó en otros lugares de Europa, y eso es un aspecto que aquí se menciona y reconoce. Raquel Gu tenía una papeleta difícil en este cómic, puesto que su carácter didáctico le podía llevar a usar texto de forma desmesurada, y sin embargo, aunque tiene bastante, está bien solucionado, y el humor y el uso abierto de la composición de la página, en la línea de lo que suele hacerse hoy en día en el cómic documental, hace que la obra no se haga en absoluto pesada. Añadamos a esto el delicioso y sencillo dibujo de la autora, y tenemos un cómic divulgativo, entretenido y especialmente señalado para jóvenes lectores/as, que cuenta una parte de nuestra historia que necesitada ser reformulada.
Impresionante la evolución que ha hecho Derek Kirk Kim desdeLa misma diferencia (bueno, ahora que lo pienso: es natural, han pasado 20 años). Cuesta creer que este autor surcoreano que entregó un cómic de dibujo sencillo y acabado en blanco y negro sea el mismo que firma esta delicia que es La última sirena, el primer tomo de lo que es una excelente saga de cómic juvenil. En él, una sirena solitaria vaga por un páramo interminable en una búsqueda más allá de la razón. Para seguir adelante, debe sobrevivir a los interminables tramos entre pequeñas bolsas de agua donde poder respirar. Acompañada de su ajolote Lottie, la sirena deberá escapar de bandas itinerantes de caníbales cibernéticos y temibles bestias mutantes. Con ecos de los futuros postapocalípticos mezcla de Miyazaki y Mad Max, La última sirena es una historia de aventuras que no da tregua al lector, con personajes arquetípicos pero adorables, y, sobre todo, un trabajo digital en el que Kim ha puesto toda la carne en el asador. Más que un cómic parece un film comic (cómics que se hacían a base de capturas de imagen de una película de animación) o un storyboard, y algo de ello habrá, porque Kim ha trabajado en animación, diseñando personajes y dirigiendo.
